TEMA 31.
1. LA FOTOGRAFÍA DE MODA Y PASARELA: EVOLUCIÓN, CARACTERÍSTICAS Y
MOMENTO ACTUAL.
2. PROFESIONALES QUE INTERVIENEN.
3. EL PAPEL DEL ESTILISMO.
4. FOTÓGRAFOS SIGNIFICATIVOS.
5. LA FOTOGRAFÍA DE MODA Y PASARELA EN EL CONTEXTO DE LAS ESTRATEGIAS
DE MÁRKETING.
1.- LA FOTOGRAFÍA DE MODA Y PASARELA: EVOLUCIÓN, CARACTERÍSTICAS Y
MOMENTO ACTUAL.
INTRODUCCIÓN
¿Qué es la fotografía de moda?
El término "fotografía de moda" describe un tipo de fotografía de arte dedicada a la promoción de
artículos de moda como ropa de alta costura, así como ropa de mercado de masas, zapatos,
perfumes y otros productos de marca diseñados por casas de moda de todo el mundo. Practicada
por muchos de los mejores fotógrafos del mundo, la "fotografía de moda" debe ser vista
principalmente como una forma de arte visual, en lugar de un arte aplicado, ya que las imágenes
creadas no cumplen una función utilitaria. Además, las fotos de moda del siglo XXI -como los
comerciales de televisión tradicionales- se ocupan principalmente de la promoción de una marca
(es decir, de un concepto), más que de un producto físico. Sea cual sea su significado preciso o
estética, la "fotografía de moda" está estrechamente vinculada al arte contemporáneo y a la cultura
popular. No sólo refleja las actitudes, aspiraciones y gustos populares, sino que también refleja las
opiniones que tienen las mujeres, sobre su imagen personal, género y sexualidad. Además, la
"fotografía de moda" está inextricablemente ligada a los medios de comunicación. Con el fin de
satisfacer las necesidades de las revistas femeninas publicadas por Conde Nast y Hearst, como
Vogue y Harper's Bazaar, hoy en día ampliadas por publicaciones como Elle, Cosmopolitan, Vanity
Fair, W, Grazia y Seventeen, La revolución de la computadora digital y la Internet. Aunque Nueva
York reemplazó a París como la meca de la fotografía de moda en los años cuarenta, París y Milán
siguen siendo importantes centros creativos, mientras que las ciudades del Lejano Oriente de la
India y China sin duda emergerán como centros internacionales de moda en poco tiempo.
1
,Historia de la fotografía de moda
Las primeras fotos de moda fueron producidas en la década de 1860, para documentar las
creaciones de las principales casas de moda parisienses. Se pensaba que la idea de emplear
modelos profesionales era repugnante, por lo que los fotógrafos de moda dependían de
celebridades sociales, como Gertrude Vanderbilt Whitney o Sarah Bernhardt, para actuar como
modelos. Incluso cuando los modelos de tiempo completo fueron empleados más tarde, fueron
esbozados por los artistas en lugar de fotografiados, porque diseñadores y diseñadores pensaron
que las fotografías darían sus secretos. No fue hasta fines de la década de 1880 que se usaron
fotografías de modelos y luego se imprimieron en revistas de moda, siguiendo la invención del
proceso de impresión de semitono por Frederic Eugene Ives (1856-1937). Este nuevo proceso de
impresión permitió reproducir fotografías de moda en revistas de circulación masiva y la moda del
mercado a un público de masas. Las dos revistas de moda más importantes (ambas fundadas
en América) fueron Harper's Bazaar (fundado por Harper & Brothers, publicado por primera vez en
1867, posteriormente comprado por Hearst) y Vogue (fundado por Arthur Turnure, publicado por
primera vez 1892, comprado más adelante por Conde-Nast). Estas revistas y su creciente número
de lectores, junto con el rápido avance de la tecnología estadounidense en el área de fotografía e
impresión, hicieron de Estados Unidos un centro importante en el área de la fotografía de moda.
Cultura y Moda de París (1880-1930)
Pero a pesar del borde técnico de Estados Unidos, París siguió siendo el centro de la cultura
occidental, especialmente en las áreas de arte y grabado. De hecho, con el surgimiento de grandes
tendencias artísticas como el Impresionismo (1873-1883), el Post-Impresionismo (1880-1900), el
Art Nouveau (1890-1914), el Fauvismo (1905-6) y el Cubismo (1907-14), París fue el Meca para
todos los artistas serios que participan en la pintura y la escultura. Berlín fue otro importante centro
de arte y diseño de vanguardia, gracias a la influencia del expresionismo alemán, así como a la
influyente Galería Sturm (1912-32), a la posterior Escuela Bauhaus de Diseño (1919-1933) ya las
actividades de los fotógrafos Como John Heartfield (1891-1968), Raoul Hausmann (1886-1971),
Hannah Hoch (1889-1978), Heinrich Hoffmann (1885-1957) y Laszlo Moholy-Nagy (1895-1946).
Era lo mismo en moda. Todas las grandes tendencias emanaron de París y Berlín, y fueron estas
tendencias de la moda francesa y alemana que se mostraron en Harper's Bazaar y Vogue. Y ya
que la mayoría de los principales couturiers y casas de moda se encuentra en París, fue aquí que
la mayoría de la fotografía de moda pionera se hizo. En efecto, el fotógrafo estadounidense Edward
2
,Steichen (1879-1973) realizó en París, en 1911, la primera fotografía seria de la moda, en la que
fotografió una serie de batas hechas por el couturier Paul Poiret para transmitir su calidad física,
así como Su apariencia formal. Publicado en la revista Art et Decoration, las imágenes de Steichen
fueron vistas como las primeras fotos de moda modernas jamás publicadas. Otras revistas
francesas que emplearon la fotografía de moda durante la preguerra incluyeron La Mode Practique
y La Gazette du Bon Ton, mientras que otros fotógrafos de moda parisinos de principios del siglo
XX incluyen: los hermanos Seeberger - Jules Seeberger (1872-1932), Louis Seeberger (1874-
1946) y Henri Seeberger (1876-1956) - Maison Reutlinger, Boissonnas y Taponnier y Henri Manuel.
Nota: La fotografía de moda francesa moderna se originó con tres fotógrafos parisienses conocidos
como los hermanos Seeberger (Jules, Louis, Henri), quienes comenzaron a tomar fotos de retratos
del escalón superior de la sociedad francesa alrededor de 1910 en adelante. A medida que estos
retratos casuales de mujeres hermosas, vestidas con las últimas modas en las carreras de caballos,
centros vacacionales y cafés, comenzaron a aparecer en revistas y revistas, couturiers como
Chanel, Hermes y Madeleine Vionnet se apresuraron a enviar sus modelos de moda para ser
fotografiados por los hermanos.
Aunque fue duramente golpeada por la Gran Guerra (1914-18), Francia conservó su posición como el centro del arte y
la moda a lo largo de los años 20 y 30, gracias al nacimiento del surrealismo en 1924, así como al surgimiento de
couturiers como Chanel, Balenciaga, Schiaparelli y Lanvin, cada uno de los cuales se hizo conocido por sus estilos
distintivos. Como resultado, la ciudad siguió atrayendo a los mejores artistas de la cámara, incluyendo Horst P. Horst
(1906-99), Man Ray (1890-1976), Cecil Beaton (1904-80), George Hoyningen-Huene (1900-68), Erwin Blumenfeld
(1897-1969), Brassai (1899-1984) y Andre Kertesz (1894-1985), así como el genio del diseño Alexey Brodovitch (1898-
1971).
Nota: A ambos lados del Atlántico, la aparición de los grandes almacenes aumentó considerablemente la accesibilidad
de la moda femenina. En París, las principales tiendas de moda incluían Le Bon Marche, La Samaritaine y los Grands
Magasins Dufayel, mientras que en Estados Unidos incluían a Macy's, McCreary, Abraham y Straus, AT Stewart Dry
Goods Store (toda Nueva York), Marshall Field & Company, Carson Pirie Scott (Chicago) y Wanamaker (Filadelfia).
Fotografía de moda en América (1900-1930)
Tal actividad en París no impidió que la fotografía de moda estadounidense progresara también. La riqueza creciente
del país, el poder de Harper's Bazaar y Vogue, así como su tradición de arte fotográfico - ejemplificado por la obra de
Alfred Stieglitz (1864-1946), y más tarde Paul Strand (1890-1976), Charles Sheeler (1883- 1965), Dorothea Lange
(1895-1965) y Walker Evans (1903-1975) - todo ello combinado para hacer de Nueva York un centro de innovación.
El primer fotógrafo estadounidense de moda fue el barón Adolfo de Meyer (1868-1946), más
conocido por sus elegantes retratos de celebridades como Mary Pickford, John Barrymore, Lillian
Gish, Ruth St. Denis, el rey británico George V y Queen Mary, Quien en 1913 se convirtió en el
3
, primer fotógrafo de moda oficial de la revista americana Vogue, ahora propiedad de Conde-Nast.
De Meyer fue el primero en imbuir sus fotos de moda con un sentido de "humor", bañando sus
disparos en un ambiente límpido y una luz brillante. Este refinamiento abrió el camino para que la
fotografía de moda evocara una amplia gama de sentimientos en el espectador, abandonando así
la tradicional convención de usar fotos de moda sólo con fines ilustrativos.
Durante la primera parte del siglo XX, otro factor significativo en el crecimiento de la industria de
la moda estadounidense (y por lo tanto la fotografía de moda estadounidense) se refería al
surgimiento de la industria del vestido "ready-to-wear" y al desarrollo contemporáneo de una
industria estadounidense independiente Estilo bastante desconectado con la moda parisiense. En
efecto, el mercado estadounidense de la moda pasó de la moda parisina a la ropa personalizada,
comercializada y promovida a través de revistas como Women's Wear Daily (fundada en 1910),
Harper's Bazaar y Ladies Home Journal (fundada en 1883) y en 1903 Primera revista
estadounidense para llegar a 1 millón de suscriptores). En 1924, los efectos de "enfoque suave" de
Adolf de Meyer fueron superados por el estilo geométrico limpio de Steichen del modernismo
fotográfico, que sustituyó escenarios simples pero elegantes por los escenarios rococó de Meyer.
Al igual que las líneas suaves, las formas geométricas y las formas aerodinámicas de Art Deco -el
movimiento de diseño enormemente influyente desarrollado en América- las fotos de Steichen
demostraron que los fotógrafos de moda estadounidenses pensaban dirigir Europa, no seguirla. El
hecho de que Estados Unidos fuera la tierra de los emigrantes europeos, liberados de los valores
tradicionales y antiguos de sus patrias, era una ventaja añadida. Así Steichen fue capaz de retratar
a la mujer moderna con un estilo moderno de ropa que reflejaba su recién descubierta libertad del
corsé - una situación más tarde retratada por Horst P Horst en su imagen seminal de Vogue, titulada
"The Mainbocher Corset" (1939). Vea también la serie de fotografías de Steichen de Marion
Morehouse, que encarnó a la mujer arquetípica "contemporánea", la aleta.
Otro desarrollo importante fue diseñado por Carmel Snow, editor en jefe de Harper's Bazaar, que
arregló para el fotógrafo húngaro de deportes Martin Munkacsi (1896-1963) para hacer algunas
fotos para un traje de baño, a la intemperie en una playa ventosa. Cuando Lucile Brokaw, el modelo,
corrió hacia la cámara, Munkacsi la fotografió en movimiento, borrosa y el pelo que fluía, y en ese
instante destrozó la convención que las fotografías de la manera podrían ser tomadas solamente
dentro de un ambiente controlado del estudio. El realismo espontáneo de Munkacsi revolucionó la
estética de la fotografía de moda, y abrió el camino para que otros siguieran.
También fue importante la invención de Kodachrome un tipo de película en color introducida por
Eastman Kodak en 1935. Uno de los primeros artistas de la cámara a utilizar el color en la fotografía
4
